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Storia del Cinema - Scienze della Comunicazione, Univr. Prof. Scandola AA 2010/2011

2011-03-09T22:40:00.010+01:00

28 DICEMBRE 1895. Nascita ufficiale del cinema, è una convenzione. è la prima proiezione pubblica di immagini in movimento.

Cinema: proiezione, immagini e movimento.

I fratelli Lumiére sono considerati in Europa i padri di questa invenzione, sono riusciti a combinare insieme i tre elementi di proiezione, immagini e movimento. Non inventano proiezione, immagine e movimento, ma li combinano.

La proiezione deriva dal 600, con le lanterne magiche.

La parte delle immagini nasce a metà 800 con la fotografia, immagini impresse su vetro.

Solo verso la fine dell'800, con l'invenzione della Kodak, arriva la stampa su carta e la possibilità del movimento delle immagini è più vicina.

A Muybridge viene commissionato una cronofotografia, riprodurre il movimento per scatti fisso. Lo deve fare per studiare il movimento dei cavalli.

Per l'occhio umano se il flusso dei fotogrammi supera i 16 fotogrammi al secondo si ha l'illusione del movimento.

L'idea di visione collettiva è proprio dei fratelli Lumiére. Prima di loro Thomas Edison ha brevettato il cinescopio.

Edison kinetoscope films --> 1894-1896

Questi filmati erano destinati ad una visione privata del film e il più famoso The Kiss di Irwine Rice.

Non sono film, sono quello che viene definito Cinema delle Attrazioni. Azioni che non hanno né inizio, né fine, ma che distraggono e attraggono lo spettatore. La mentalità è quella del circo.

Alcuni Titoli:

Sandow: The Strong Man.

Cockfight

The Barber Shop

Feeding the doves

Seminary girls

La cinepresa o macchina da presa (mai definire "telecamera") erano pesantissime, era impossibile intervenire una volta che il motore era iniziato, quindi tutte queste scene erano preparate al dettaglio. Il punto di vista era quello di uno spettatore, tipo a teatro. I personaggi sono al centro, nel punto di fuga delle linee della scena.

Con la metà degli anni venti si è definito il ritmo perfetto a 24 fotogrammi al secondo.

Lumiere films 1895-1897 --> 1422 film

I Lumiére hanno brevettato il cinematografo e hanno poi ceduto lo strumento a degli operatori che hanno girato il mondo e hanno filmato le cosiddette vedute animate. A differenza di Edison i Lumiére hanno sempre cercato il reale.

Swimming in the sea, lumiere n°11

Punti di forza: i movimenti delle onde, i riflessi delle onde. Insomma, tutto quello che la pittura Impressionista sogna di imprimere nelle tele.

Cosa accomuna gli impressionisti e l'operatore cinematografico? La setticità dello sguardo. Il pittore impressionista tende alla macchina, cercava di togliere qualsiasi componente emozionale alla sua mano e al suo sguardo.

Jack Aumont definisce i Fratelli Lumiére gli ultimi pittori impressionisti.

Dopo il cinema la pittura scelse la strada dell'astrazione.

Children digging for clams, lumiere n° 45

Cosa distingue questi filmati dal cinema attuale? La profondità di campo grandissima, dal vicino al lontano nessuno degli elementi è privilegiato.

Loading a boiler, lumiére n°20

Sortie d'usine 1895 (Uscita dalle fabbriche)

Uscita dalle fabbriche di ottica dei fratelli lumiere, poi trasmessa in quella famosa sera del 1895.

L'inquadratura è sempre unica.

Repas de bebe (1895) Il pranzo del bambino

Scene di vita quotidiana con questi alberi molto impressionisti, con il vento che muove il vento, la tazzina di caffé che si muove, i capelli mossi dal vento.

L'arrosseur arrose 1895 L' annaffiatore annaffiato

I lumiére iniziano ad imbastire la struttura del racconto. C'è una gag.

Lo spazio è unico, non frammentabile, quindi la profondità di campo era unica, perché il bambino, quando è scoperto, scappa in fondo, luogo che quindi deve essere a fuoco.

L'azione è concepita in senso longitudinale, non orizzontale.

Lo sguardo alla fine del bambino è la seconda, delle cinque, caratteristiche del cinema di lumiére: lo svelamento del macchinario. Gli attori non esitano a guardare l'operatore, cinema come autoreferenziale.

Terza caratteristica è l'inquadratura unica.

Quarta caratteristica è la moltiplicità di eventi e di linee di fuga.

La quinta caratteristica è la presenza di un imbonitore. Il cinema fino a Griffith, alla fine degli anni 10, non sà e non può parlare da solo, ha bisogno di una persona che guida gli spettatori nella visione.

Arriveé du Train. 1895.

L'arrivo dei treni.

Piaceva molto al pubblico perché creava effetti di panico negli spettatori delle prime file, i quali avevano la sensazione di essere travolti.

Le linee di prosa non sono più centripete, ma centrifughe.

Il cinematografo funzionava sia come riproduttore che come produttore.

Non era possibile controllare la luminosità.

Partie d'ecarte 1895.

Questa partita di carte verrà girata anche da John Melies.

Melies è considerato l'inventore del cinema spettacolare.

I Lumiér hanno puntato sulla cattura del reale, mentre Melies ha inserito il contesto fiabesco, narrativo, irreale.

Secondo un famoso autore Il cinema di Lumiere è lo straordinario dell'ordinario, mentre il cinema di Melies è l'ordinario dello straordinario.

Melies dei corti e degli arrivi dei treni, ma nella storia del cinema per la porta del fantastico.

Melies, a causa di un errore tecnico, quando la pellicola si inceppa e deve ripartire, si accorge del cosiddetto "trucco dello stop". Quando riprende a girare si accorge che ci sono persone diverse al posto delle persone di prima e ne comprende le potenzialità per i suoi spettacoli di magia. E inventa il montaggio.

Le voyage dans de lune.

La fortuna di Melies è molto breve, finisce a metà degli anni 10.

In parte per la povertà imprenditoriale di Melies, ad esempio vendeva i propri film, non li noleggiava.

In parte per i gusti degli spettatori, che si stancano presto anche del fantastico. Vogliono di più. Vogliono universi narrativi molto vicini ai romanzi dell'800.

The great train robbery 1903

Le vedute sono sempre meno vedute e più racconti.

Le linee sono sempre oblique, si ha una sorta di diagonalità, perché si riescono ad inserire più persone nel campo visivo.

C'è uno dei primi esempi del raccordo di movimento. La locomotiva esce dal campo a sinistra e l'inquadratura successiva si apre, la completa. Si creano le condizioni per avere la continuità tra le inquadrature.

Si ha la prima panoramica, con il movimento della mdp.

La panoramica si ha con la rotazione sull'asse della cinepresa. La carrellata si muove fisicamente nello spazio, grazie ad un carrello.

Tecniche di colorazione del cinema degli albori: Viraggio e imbibizione. Nell'imbibizione si accentua la colorazione delle parti chiare, mentre nel viraggio si accentua la colorazione delle parti scure. Il viraggio consentiva di creare dei colori narrativi. Per le scene di notte si viravano le parti scure in blu, verde per le scene di natura, rosso per le scene di passione.

Nel 1915 nasce il cinema classico che, secondo alcuni, è morto nel 1959, mentre secondo altri vive tutt'ora. Il cinema moderno nasce nel 1960 fino agli anni 80. Dagli anni 80 inizia il cinema post-moderno.

David Griffith è il primo che dice che il film è l'opera di un'unica persona.

Griffith era un moralista del sud, figlio di un colonnello, educazione protestante, valori come famiglia, patria, guerra...

Nasce nel 1885, ha 20 anni quando il cinema è stato inventato, e muore nel 1948.

Birth of a Nation (1915) → uno degli atti d'accusa più ingiuriosi della popolazione di colore.

Intollerance (1916) → una sorta di scusa in reazione alle polemiche di Birt of a Nation.

Visione di “La morte di Flora” da “Birth of a Nation”.

Filmato modernissimo. Ci sono primi piani, già visti, ma per la prima volta codificati, cioè usati per scopi narrativi. Difficile dal punto di vista tecnico, ma anche psicologico. I primi piani venivano chiamati “teste mozzate”, perché non si aveva l'abitudine quotidiana di vedere su schermo grande un volto umano. Si vedevano le statue, gli affreschi, i quadri, gli specchi.

Alcuni dei primi primissimi piani venivano filmati su sfondo nero, come per per aiutare gli spettatori ad accettare il primo piano, a far comprendere che si tratta di qualcosa di fantastico.

Si vede poi il primo piano di uno scoiattolo, un correlativo oggettivo, una metafora per il personaggio.

La scena della casa è in un teatro di posa, senza il tetto. Si nota la luce del sole e il vento muove i capelli della madre.

L'unico elemento antico che stona è la recitazione, molto inizio secolo.

La scena della cavalcata filmata di fronte è stata girata con una telecamera su un'automobile, che precedeva la cavalcata.

Intollerance 1916

4 parti, 4 epoche. Lunghissimo, quasi 3 ore.

Caduta di Babilonia
La passione di Cristo
1500 Massacro degli Ugonotti
Giorni nostri, la crisi economica e morale di un'America che si sta avvicinando alla grande crisi della depressione.

A cosa serve il montaggio parallelo? Per caricare di universo simbolico il contemporaneo americano.

Vengono usate lampade ad arco, per creare drammaticità.

Il dettaglio viene sempre usato in modalità patetica, in questo caso il calzino del neonato rapito.

L'iride, l'isolamento di una parte di spazio tramite un mascherino, è una soggettiva, ovvero rappresenta il punto di vista di un personaggio del film. Vediamo quello che il personaggio vede.

La rima che fa da sfondo a questo film è la culla, agitata da una donna, una metafora per la dolcezza che dovrebbe ispirare il sentimento di intolleranza.

Le scene della passione di cristo sono filmate con una tecnica antiquata, stando fermo, mentre filma una visione. Si adegua al materiale narrativo.

La Passione di Cristo è tra le scene più comuni dei fratelli Lumiére e Griffith racconta Cristo come l'avrebbero fatto i Lumiére.

I personaggi sono ideali, senza nome. The dear one, Mae Marsh, the boy...

Mae Marsh ha un tipico overacting.

Scala dei piani:

Piano americano: dalle ginocchia in su, tre metri tra attori e mdp

mezza figura: il busto superiore

primo piano: dalle spalle in su

primissimo piano: solo il volto.

07-03-2010

1927: data convenzionale dell'inizio del cinema sonoro.

La funzione della soggettiva è facilitare l'immedesimazione dello spettatore nel protagonista.

La “colonna sonora” è una banda magnetica dove è impresso l'audio. La musica del film va chiamata “musica extradiegetica”, musica di racconto aggiunta dal registra.

La musica partecipa dell'azione e ha un azione ridondante sulle immagini e si sposa come ritmo alle azioni, e anche come timbro.

In Biancaneve Walt Disney rifiuta di prendere il punto di vista della Strega, non ci sono soggettive della strega.

Esempio di Montaggio parallelo.

Parallelo tra la “cavalcata” dei nani che corrono per salvare Biancaneve e la cavalcata dei membri del KKK per salvare la famiglia in pericolo in “Birth of a Nation”.

A volte il montaggio parallelo viene usato per con montaggio presente-passato

La solitudine dei numeri primi di Saverio Costanzo

Gli spazi vengono separati dal punto di vista visivo, ma vengono uniti dal punto di vista sonoro, con la musica techno che fa da sottofondo alla festa e al matrimonio.

Costanzo parla con gli strumenti del proprio linguaggio, senza usare le parole.

Anni 10 – Cinema Italiano

L'Italia è uno dei Paesi più promettenti, il cinematografo di Lumiére arriva nel 1986 e viene accolto con molto entusiasmo.

Due tendenze narrative:

Film catastrofico
Film diva, che dovrebbe potenziare l'aura di alcune Femme Fatale che stregano l'immaginario del pubblico maschile degli anni 10, influenzato dai romanzi di D'Annunzio.

Il Divismo nasce in Italia, Hollywood ha creato il film Western (La Grande Rapina al Treno), il film storico (Intolerance). Ma lo stesso Griffith ha diretto Intolerance dopo aver visto Cabiria (1914).

Cabiria di Giovanni Pastrone (1914)

Riassunto trama pag 47

La prima guerra mondiale ha distrutto il cinema europeo e Cabiria è stata uno delle ultime produzioni.

La soggettiva dell'anello in Cabiria su sfondo nera era per stilizzare le mani, per renderle meno realistiche. Negli anni 10 il pubblico aveva paura di teste mozzate, mani mozzate, e una soggettiva che mostrava le mani inquietava. Con lo sfondo nero si interrompe la narrazione e si focalizza sul particolare.

Sandro Bernardi parla di visione storica parlando di Cabiria, è un film prigioniero dell'estetica dell'attrazione, del mostrare. Un film che si ferma per mostrare un particolare al pubblico.

Come la mostrazione di Maciste, interpretato da un ex scaricatore di porto genovese, esempio di cinema delle attrazioni, dove con un'estrema profondità di campo le poche azioni sono sullo sfondo e in primo piano si ha solo il divo (vedi divismo) che mostra la propria bellezza agli spettatori.

Il diva film

Tre principali dive in quel momento:

Lydia Borrelli
Pina Menichelli
Francesca Bertini

Lydia Borelli è l'antitesi dello stle moderno di F. Bertini:

torsione, obliquità, instabilità nelle pose
strumento: mani e occhi
sentimenti espressi: dolore e sofferenza

Rapsodia Satanica.

Film completo: Youtube.

Quello che Borelli cerca è l'euritmia, ovvero una sintesi di bellezza ed eleganza nei gesti che possa ricordare la grazia Kalos Kai Agathos dell'arte greca.

Messa in scena di Nino Oxilia

"Una cosa di grande importanza rileverà questa RAPSODIA: la possibilità di adunare in un'opera cinematografica le sensazioni di tutte le arti; la possibilità di fare d'una sala di proiezione un magico crogiuolo di tutte le sensazioni artistiche in un insieme nuovissimo, mai tentato ed oggi ottenuto per la prima volta.”

Il divismo italiano, dopo lo stop causato dalla prima guerra mondiale, tornerà negli anni sessanta.

La Signora delle Camelie (1915)

Francesca Bertini interpreta Margherita Gauthier. Il film deriva da un testo di Alexander Dumas figlio. Bertini è la più moderna delle attrici degli anni 10, in La Signora delle Camelie, mantiene pose verticali, con gesti realistici, a differenza della Borelli che, in Rapsodia Satanica, cerca linee oblique, con gesti esagerati, in pieno stile del Cinema delle Attrazioni.

Camille con Rodolfo Valentino

Parte 1

Parte 2

Si vede la grande modernità dello stile di Valentino.

Valentina offre il fianco alla cinepresa e chiede la key light, la luce puntata sul volto che mostra tutto il suo talento, in un passaggio da stupore a rabbia e a risata isterica che poi si trascina nel pianto, con la musica che accompagna, in ritmo e timbro, la scena. Secondo Cristina Iaeerfndelli si parla di trascinamento degli stati d'animo.

Valentino termina la scena come la Bertini, la disperazione e il visto appoggiato sul tavolo, ma osa molto di più, come l'uso dell'oggetto, correlativo oggettivo del sentimento, quando con una mano stringe l'oggetto con rabbia.

MANCANO DUE ORE DI APPUNTI

14-03-2011

Russia: la rivoluzione come arte.

1917 Rivoluzioni febbraio (borghese) e ottobre (proletaria)

1920 Nasce la Scuola Statale di Cinematografia (Lev Kulesoy)

1923 “Il montaggio delle attrazioni”

1924 Kinoglaz di Vertov (Cineocchio) – morte di Lenin

1925 La corazzata Potemkin Sciopero

1928 Ottobre

1948 Morte di Eizenstein (1898)

Assieme al palazzo d'Inverno, collano le forme stereotipate dell'arte borghese, del teatro borghese, del cinema commerciale. Meierchol'd e Slowskij professano la condanna di tutto ciò che è:

Narrazione
Emozione
Intreccio
Immedesimazione

I tre registi russi da sapere sono Ejzenstein, Pudovkin e Vertov.

Per loro l'arte deve essere qualcosa di utile, come alla base del moviemento costuttivista, che nasce in Russia nel 1920 e che vede tra i suoi fondatori Mejerchol'd. L'arte è “biomeccanica”, l'attore è una marionetta, che non deve provare emozioni e poi raffigurarle. Non deve avere un'anima. Deve automatizzarsi.

Naturalismo vs Straniamento

Sistemare appunti.

Secondo Stanislavsij, del naturalismo.

Realismo Mejerchol'd

psicoogiainteriorità

L'attore è una statua, un corpo dotato di pensiero e parola, i cui gesti sono subordinati ala riproduzione naturalistica del corpo del personaggio.

Secondo

Astrazione

Esteriorità-Corpo

L'attore è una marionetta bio-meccanica, libera di ogni compito mimetico e impegnata a mostrarsi come corpo snodabile, in-umano (Gordon Craig).

Lev Koulechov era il direttore di una scuola statale di cinematografia alla quale si iscrive Pudovkin.

Koulechov è famoso per una sperimentazione che attuò un giorno nella sua scuola, che ebbe un enorme successo arrivando ad essere definita effetto koulechov.

Il senso di un'inquadratura cinematografica non è determinato da quello che succede o dalla sua durata, ma unicamente dal montaggio, dall'accostamento che il regista – o il montatore – effettua tra l'inquadratura e la precedente o la successiva.

Data un'inquadratura x, costante, se noi accostiamo ad x un numero indefinito di inquadrature (1,2,3,4,5,6), agli occhi dello spettatore x apparirà sempre diversa.

Pudovkin ha in comune con Koulechov l'amore per il cinema americano e vede il montaggio come una serie di mattoni costruttivi.

Il suo film più famoso è La Madre (1926), nel quale esce dalla “prigione” realistica e utilizza il montaggio a fini simbolici, metaforici.

La dimensione europea di questo cinema è l'astrazione, l'opposizione al naturalismo. Non si vuole contestualizzare la storia, dare allo spettatore un paesaggio.

L'astrazione serve allo scopo di “colorare” una scena, in modo da caricarla di una data emotività (angoscia, paura, ecc.).

Eizenstein

Secondo Eizenstein è vero che le due inquadrature accostate cambiano la percezione, ma le due inquadrature non devono solo avere solo un rapporto narrativo, ma anche un rapporto conflittuale, bisogna che il montaggio venga percepito dal narratore come un pugno, che possa attrarlo dentro il ritmo del film. Il cinema deve essere caos, disordine. Lo spettatore deve essere attivo, non passivo. Un socialista attivo sempre pronto a rinfrescare la sua conoscenza politica.

SCIOPERO!

Tra le due parti manca il contatto, come invece vedevamo in Pudovkin.

La Corazzata Potemkin

Ottobre

Montaggio intellettuale, è sufficiente una metafora raffinata.

Espressionismo tedesco

Si differenza da quello Francese e Sovietico per il montaggio. Quello che interessa è raffinare l'inquadratura, migliorare l'illuminazione, il trucco degli attori, la sceneggiatura.

All'opposto del cinema sovietico le inquadrature sono molto lunghe.

Caligari (1920)

Unico film puramente espressionista.

Il film inizia con uno dei personaggi, Franz, che racconta ad un vecchio seduto di fianco a lui un racconto sinistro: 1830, nel piccolo paese di Howernille in Germania, un signore poco raccomandabile di nome Caligari, giunge alla fiera del paese per presentare il suo sonnambulo, Cesare. Si dice che il sonnambulo, una volta svegliato, predica il futuro... Contemporaneamente al suo arrivo cominciano ad avere luogo nel paese delle morti sospette.

Il primo a chiedere una predizione è l'amico di Franz, Alan, che con Franz condivide l'amore per Jane. Cesare predice ad Alan che morirà entro il mattino seguente e la predizione si avvera.

Altre morti inquietanti seguono a questa e culminano con il rapimento di Jane. Franz, nel tentativo di smascherare il colpevole, scopre che il dott. Caligari controlla il sonnambulo ordinandogli di compiere quei cruenti omicidi. Inizialmente la polizia non crede alla sua storia, ma Franz riuscirà a convincerla grazie al diario rubato del Dott. Caligari che racconta tutto sugli omicidi.

Smascherato e inseguito dalle forze dell'ordine, il Dott. Caligari si rifugia presso un manicomio di cui in seguito si scoprirà esserne il direttore. Qui Caligari rivela tutto: in preda all'insaziabile desiderio di ricerca nel campo del sonnambulismo, egli scopre che nel XVIII secolo viveva un dottore che usò un paziente affetto dal disturbo per usarlo come assassino, e così Caligari voleva imitarlo.

Mentre il racconto di Franz termina con la detenzione forzata di Caligari nel suo stesso manicomio, lo spettatore è ricondotto fuori dal lungo flashback, in tempo per scoprire che tutti i personaggi del racconto di Franz sono in realtà i suoi stessi compagni.
Franz, infatti, è rinchiuso in un manicomio, in realtà il vero pazzo è lui e tutto il racconto è frutto di allucinazione, in cui il Dott. Caligari viene rappresentato con le sembianze del Dott. Oscar, il responsabile dell'istituto correttivo.

Effetto Schuefftan

Murnau

Murnau non apprezza l'effetto Shuefftan, per lui si devono usare solo metodi filmici, cinematrografici.

Nosferatu (1922)

Il morso vampiresco non si vede, è fuori campo. Abbiamo più paura di quello che non vediamo.

La nave su cui viaggia il vampiro diventa “della morte” grazie ad uno stratagemma con la luminosità, che grazie ad un controluce toglie la tridimensionalità alla nave e la rende bidimensionale, scura, cupa, tetra.

Anche la città diventa morta grazie a tecniche cinematografiche, come il taglio dell'inquadratura, togliendo il cielo, con poca illuminazione, le finestre cupe, come occhi.

Il fuoricampo è fondamentale per il cinema horror, la tensione verso il fuori schermo.

Epocale l'incontro tra “la bella e la bestia” con la donna vestita di bianco e illuminatissima e l'ombra della mano di Nosferatu, riconoscibile per gli artigli, che appare nettissima sulla maglia.

Anche qui non si vede il morso, ma dopo uno stacco sul marito della donna si vede Nosferatu intento a raccogliere le ultime gocce di sangue dalla donna che si è sacrificata, facendosi mordere in una stanza, con le finestre spalancate, e il vampiro nulla può, tranne morire.

21/03/2011

Billy Wilder emigra in America, in quella che diventerà la Mecca del cinema.

Negli anni 30 Hollywood, con l'avvento del sonoro, riesce a controllare il pubblico mediante un sistema narrativo ed economico che diventa un modello per tutti i Paesi industrializzati.

Bernardi parla di tre principi chiave del cinema classico.

Leggibilità.
1. Storie semplici.
Gerarchizzazione.
1. Dimenticare la profondità di campo dei Lumiére, o la concezione democratica del personaggio russa.
2. Il corpo ha il primato sullo spazio, per lo meno nei generi come la commedia.
3. Il volto ha il primato sulle altre parti del corpo.
Drammatizzazione.
1. Dato un tema, il plot, non basta. Tutti gli elementi del discorso devono partecipare. Ad esempio John Ford nei film degli anni 30 e 40 si capisce subito chi è il buono e il cattivo e ci saranno sempre dei codici che vi ricorderanno chi è il buono o il cattivo, come il cappello nero prima del duello in Ombre Rosse. I belli sono spesso anche buoni.

Secondo il presidente Roosvelt, per diffondere dei valori, bisogna raccontare delle storie agli americani e queste storie deve essere leggibili, comunicative.

Cosa poteva o non poteva essere mostrato in un film era definito nel Codice Hays, che regolava i contenuto dei film.

Il "Production Code" elencava tre "Principi generali":

Non sarà prodotto nessun film che abbassi gli standard morali degli spettatori. Per questo motivo la simpatia del pubblico non dovrà mai essere indirizzata verso il crimine, i comportamenti devianti, il male o il peccato.
Saranno presentati solo standard di vita corretti, con le sole limitazioni necessarie al dramma e all'intrattenimento.
La Legge, naturale, divina o umana, non sarà mai messa in ridicolo, né sarà mai sollecitata la simpatia dello spettatore per la sua violazione.

Per David Bordwell, famoso studioso americano di cinema, nulla cambia tra il 1916 e il 1960, mentre secondo Veronica Pravadelli non è vero che il sistema narrativo è così presente in tutti i generi, in realtà il cinema classico come macchia perfetta, dura solo un decennio (gli anni 30) e poi ci sono due generi che rompono questo iceberg e aprono uno squarcio di modernità. Questi generi sono ilnour e il melodramma, che la Pravadelli chiama woman's movies.

Veronica Pravadelli, professoressa di Cinema al DAMS dell'Università di Roma 3, ha una formazione che deriva dai cultural studies, che considerano l'arte interessante non per la parte artistica, ma per quello che ci dice della società che la produce. Un film è quindi interessante non tanto come oggetto d'analisi, ma come punto di partenza per lo studio della società e dei modi di fruizione che la società suggerisce agli spettatori.

Veronica Pravadelli guarda alla storia del cinema Hollywoodiano in ottica gender, di genere.

Bernardi risolve il problema con due condetti: norma e trasgressione. Gli elementi di un film nascono dal conflitto tra norma e trasgressione, con tre fasi ben definite:

ordine, situazione iniziale
trasgressione, pericolo o minaccia
ripristino dell'ordine iniziale

Tutto il cinema hollywoodiano si basa su canoni narrativi molto antecedenti, i tre punti precedenti sono addirittura di derivazione aristotelica.

Sunset Boulevard

Norma Desmond to Joe Gillis “We didn't need dialog, we had faces” e poi termina con un primo piano in stile Greta Garbo, dopo averla anche citata.

The Mysterious Lady (1928) con Greta Garbo, MGM.

Nella scena si vede un reaction shot, ovvero un'inquadratura dove si vede la reazione dell'attore ad un evento.

Marlene Dietrich

Arriva a Hollywood con un bagaglio culturale molto più grande di quello della Garbo, aveva studiato violino e si era già fatta le ossa nei cabaret e con lo spettacolo in Germania.

Quando viene chiamata a Hollywood ha le idee molto chiare. Il suo contratto è con la Paramount, “nemica” della MGM della Garbo.

La sua bisessualità è carnale, non solo metafisica come quella della Garbo.

Morocco (1930)

Qui si ha la famosissima scena del bacio tra la Dietrich, vestita da uomo, e una donna.

Siamo quattro anni prima del codice Hays, dopo il quale tale trasgressione non sarebbe certo stata permessa.

Inizio classico cinematografico

Dial M for Murder (1954) di Alfred Hitchcock (Il Delitto Perfetto)

Il vestito di Grace Kelly. Quando è col marito indossa un maglioncino bianco, ma quando si incontra con l'amante è vestita con un vestito lungo rosso. Questo ci fa capire che il rapporto con il marito è privo di parole, quotidiano piatto. Durante il bacio con l'amante Hitchcock “danza” con la telecamera, quasi per sottolineare la passione tra i due volti in primo piano che si baciano.

Trama:

Londra. Tony Wendice, un ex campione di tennis che ora scrive su una rivista sportiva specializzata, scopre che la ricca moglie Margot lo tradisce con un amico, Mark Halliday, uno scrittore americano di romanzi gialli. Wendice decide pertanto di sbarazzarsi della moglie per ereditare a tempo debito la sua piccola fortuna.

Per evitare qualunque sospetto a suo carico, Wendice per quasi un anno si dedica alla scrupolosa e attentissima elaborazione dell'omicidio, trovando infine il sicario ideale in Swann Lesgate, un suo ex compagno di college, già colpevole di furto, che ora vive mantenuto da alcune anziane signore. Con il ricatto e con una promessa di denaro, Wendice costringe Swann ad uccidere per lui la moglie Margot, orchestrando così un delitto apparentemente perfetto.

Ma gli eventi non vanno come previsto: per garantirsi un alibi incontestabile, Wendice si reca con Halliday a un ricevimento, mentre alla stessa ora Swann s'introduce nell'appartamento dove l'ignara Margot sta dormendo. All'ora prefissata, Wendice chiama la moglie al telefono per far scattare la trappola: Margot va a rispondere e viene aggredita alle spalle da Swann, sbucato da dietro le tende, il quale tenta di strangolarla.

Una strenua difesa e una disperata resistenza consentono però a Margot di liberarsi del maldestro killer, dopo una lunga colluttazione, conficcandogli nella schiena un paio di forbici, il che ne provoca la morte. Wendice, che da quanto ha sentito al telefono ha compreso ciò che è accaduto, rientra immediatamente a casa ed approfitta della situazione per sfruttare l'uccisione di Swann a suo vantaggio. Con freddezza e cinismo, riesce a inquinare le prove in modo da far accusare la moglie di omicidio (alcune lettere ricattatorie anonime, mandate dallo stesso Wendice, sarebbero state la prova dell'odio della donna per Swann). Margot viene condannata così al patibolo, ma uno zelante ed intelligente ispettore di Scotland Yard, Hubbard, dopo l'iniziale scetticismo sull'innocenza di Margot, comprende a poco a poco che nella vicenda c'è qualcosa di poco chiaro e, grazie ad uno stratagemma, trova le prove per scagionare definitivamente Margot ed incolpare il marito-mandante.

Tipico inizio anticlassico, esempio di Trasgressione alla norma

Inizio di Eyes Wide Shut di Stanley Kubrick.

Nell'incipit vediamo sempre una coppia in crisi, la Kidman si vede subito nuda, non si ha un lento svelamento del mistero. Il corpo si spoglia in un ambiente misterioso. Siamo in un interno, la finestra è chiusa. Non parla, non si vede in volto.

Si vede il personaggio maschile, che sembra vivere di una via propria. Parla e ha un volto.

Torniamo alla classica retorica classica con “honey, did you see my wallet?”, “amore, hai visto il mio portafoglio?”

E della diva sentiamo la voce, prima di vederla.

E quando la vediamo non siamo più nella retorica classica, perché ci è svelata in uno dei momenti meno divistici della sua carriera, mentre è seduta in bagno.

La transazione da muto a sonoro

Alessandro Faccioli, ricercatore presso l'università degli studi di Padova, che si occupa da molti anni di cinema muto e, soprattutto italiano e anche del cinema italiano sulla prima guerra mondiale.

Il cinema non è mai stato muto, si è sempre sonorizzato, con musica in sala, le proiezioni di immagini in movimento.

Il cinema muto non è assenza di suono.

Béla Balázs ha interpretato un fenomeno allora poco chiaro, considerando che si ha la sensazione che il sonoro abbia completato quello che prima era monco. Se avessimo avuto l'audio fin da subito sarebbe apparso innaturale l'interruzione con l'inserimento delle didascalie.

Nel momento che iniziano ad uscire i primi film con del sonoro, da un giorno all'altro gli spettatori rifiutano quello che è stato pane quotidiano per trenta-quarant'anni.

Negli anni 20 il sistema divistico non era così diverso a quello degli anni 40.

Balázs considera l'avvento del sonoro come una catastrofe momentanea. Il sonoro non è il completamento del muto, è una cosa a sé.

“Non si può definire l'aeroplano come un'automobile sbagliata soltanto perché non può correre su una strada.”

I grandi divi del cinema muto, dalla Garbo a Valentino, promettevano un rapporto privilegiato con lo spettatore, che si immaginava il proprio dialogo.

Da un giorno all'altro la maggiorparte di questi grandi attori provano a fare il salto nel sonoro. Siamo nel mondo della fonogenia. Gli attori avrebbero potuto reggere la prova microfono?

Ecco che gli attori vanno a scuola dai grandi di Broadway, per coprire i buchi di tutti gli attori che non avrebbero potuto reggere la prova microfono.

Balázs nel 1928 si accorge che gli spettatori al cinema ridono di film muti che di comico non avevano nulla perché trovavano ridicole quelle ombre silenti che fino a pochi anni prima erano pionieristiche ed osannate.

Una galera portoghese antica è una bellissima immagine, ma una delle prime locomotive ci appare ridicola, incompleta. E così una scimmia ci appare ridicola. Ridiamo di quello che noi eravamo fino a pochi anni prima.

Il pubblico vuole rumori, voci, parole. Il pubblico non è indispettito di sentire la voce dei grandi interpreti, ma in realtà è indispettito per che cosa dicevano.

Il pubblico cinematografico ha sempre preteso dalla qualità dei dialoghi in un film, molto meno di quanto si pretende in sala da dialoghi teatrali. Spesso si sopportano dialoghi banali a fronte di tutto il resto.

Molte carriere di attori che hanno tentato il salto al sonoro terminano rapidamente, perché il pubblico non sopporta le sciocchezze dette nei film, come nel caso di John Gilbert, la cui carriera è terminata non per la sua voce effeminata (in realtà aveva un timbro di voce normalissimo), ma per i testi (tipo ripetere infinite volte I love you)

Quando Mussolini si rivolge agli americani per un cinegiornale , gli viene chiesto di parlare scandendo parola per parola, perché i microfoni di allora avevano difficoltà a registrare l'audio.

La macchina da presa con il sonoro viene ingabbiata in una struttura insonorizzante e questo crea problemi di mobilità e questo si riflette sui film di quel periodo.

Il sistema per creare il sonoro era una sincronizzazione tra un giradischi con il sonoro e la telecamera con il video. Il problema è che se saltava un fotogramma, non saltava il corrispondente audio e la sincronia si perdeva. Tale sistema si chiamava vitaphone.

Il primo film completamente in sonoro con il vitaphone è Don Juan (1924). (Don Giovanni e Lucrezia Borgia)

Gli esercenti cinematografici non si riescono ad adattare immediatamente per il sonoro, quindi persistono per alcuni anni dei film muti che però hanno delle influenze del sonoro, in quanto vengono fatti in modo per poter essere rifatti in sonoro.

Il sonoro, poi, crea il problema dell'adattamento linguistico. Le didascalie del muto erano facilmente sostituibili e le immagini erano una sorta di esperanto visivo.

Non essendoci missaggio era difficilissimo creare film in più lingue e veniva creata una versione per più film.

Il problema viene risolto nei primi anni trenta.

In The Jazz Singer vediamo. → ? recuperare appunti

Alfred Hitchcock ha capito da subito le potenzialità del sonoro e già si vede con Blackmail (1929), presente in versione sonora e muta, con scene diverse a seconda della versione.

In Italia Pirandello ha scritto un interessante articolo intitolato “Se il film parlante abolirà il teatro” dove – secondo Pirandello – il cinema sta subendo quello che la volpe subì in Esopo, quando dopo aver aperto la bocca, fece ridere tutti.

Il cinema, con la voce, perderà la sua internazionalità, perché bisogna che il cinema si liberi della letteratura. Non bisogna temere che il cinema faccia concorrenza al teatro, perché il cinema è immagini e musica. E ha coniato un termine apposito, cinemelografia.

La storia non è andata proprio così.

Il passaggio da muto a sonoro ha dato uno scossone inferiore rispetto ai cambiamenti narrativi che sono avvenuti negli anni trenta, dovuto – ad esempio – allo stesso codice Hays.

In Blackmail nasce un cinema della violenza suggeriti grazie al sonoro. Delle voci, delle grida, seguito dal silenzio. La vera invenzione del sonoro, non è la voce e i suoni. Ma è il silenzio.

Il cinema muto, quindi, non era muto, ma sordo. I personaggi parlavano tra loro come se non esistesse un sonoro, ad esempio senza avere reazione a rumori presenti nella scena, come lo sbattere di una porta.

Famosa la scena del Sound Test tra Alfred Hitchcock e Anny Ondra, la quale nei film era doppiata, visto il suo forte accento est-europeo.

Celebre la scena della scalata del Bolton Building di Harold Lloyd del film Safety Last del 1923.

Con la voce, vedi la scalata in Feet First (1930) (da 0:50:00 in poi) e i rumori gli spettatori sono sottoposti ad una tortura che prima non avevano, e la rifiutano. La scena è troppo realistica e non risulta comica.

Il pubblico era terrorizzato da queste voci e spesso lasciava il cinema.

La caccia alla balena: passato, presente e futuro

2011-02-16T22:39:00.009+01:00

La caccia alla balena è una caccia, mediante navi e barche, alle balene e in generale a tutti i cetacei di grandi dimensioni. La caccia alla balena ha origini antiche risalenti almeno al 6000 a.C., ma si sviluppò soprattutto dal XVI Secolo nell'oceano Atlantico e dal XIX Secolo nell'oceano Pacifico. Fra i primi balenieri commerciali furono i Baschi, mentre fra i più numerosi furono gli statunitensi, di cui il più famoso è sicuramente Herman Melville, autore del romanzo Moby Dick.

Le navi addette alla caccia alla balena sono baleniere, e i marinai di tali navi sono "balenieri". La caccia in genere procede con baleniere relativamente grandi (in tempi moderni, navi fattoria) che lanciano scialuppe o altre navi più piccole che si avvicinano al cetaceo e lo colpiscono con un arpione (in tempi moderni, un arpione esplosivo). Dopo che il cetaceo muore, viene riportato alla baleniera e lì lavorato per separare il grasso e gli altri prodotti.

Nel XIX secolo il prodotto principale delle balene era il grasso, che veniva convertito in un olio usato per le lampade, ma l'intero animale veniva utilizzato, compresi i fanoni, per corsetti, e l'olio fragrante del capodoglio per profumi. In tempi moderni l'uso principale è la carne, che è un prodotto tipico e spesso prediletto di molte località con lunghe tradizioni baleniere, compresi il Giappone, l'Islanda, e molte popolazioni indigene, comprese negli Stati Uniti e nel Canada.

[testo copiato da Wikipedia]

Sebastiano

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Il Giappone ferma la caccia alle balene a causa di attacchi degli ambientalisti

2011-02-16T16:05:00.017+01:00

Il 10 febbraio il Giappone ha sospeso temporaneamente la caccia alle balene per ragioni di sicurezza, dopo che gli attivisti della Sea Shepherd Conservation Society, un gruppo ambientalista americano, hanno inseguito le baleniere giapponesi nelle acque dell'artico.

Solitamente la stagione di caccia si conclude verso metà marzo e non è quindi chiaro se questa interruzione sia effettivamente temporanea, come indicato a Reuters da Tatsuya Nakaouku, portavoce delle agenzie di pesca, oppure se si tratti di uno stop permanente, almeno per questa stagione.

Gli attivisti hanno spiegato che una delle loro barche ha bloccato gli scivoli di carico della baleniera principale, impedendo di caricare le eventuali balene colpite con l'arpione.[photo story]

La caccia alla balena per motivi commerciali è stata bandita già nel 1986, ma il Giappone ha continuato ad effettuarla sfruttando un regolamento che permette la caccia per motivi scientifici.

La Commissione internazionale per la caccia alle balene (IWC, International Whaling Commission), istituita nel 1946 per regolare l'industria baleniera e per coordinare il suo sviluppo, dopo quarant'anni dalla sua creazione e ben oltre due milioni di balene uccise [video], ha vietato la caccia ai cetacei per motivi commerciali, permettendone però quella a scopi di ricerca o per sostentamento (nel caso, ad esempio, degli Inuit della Groellandia).

Il Giappone non è l'unico Paese a continuare la caccia alle balene, la Norvegia – ad esempio – ha formalmente contestato la moratoria dell'IWC e pertanto continua a cacciare balene, oltretutto in completa legalità.

Anche l'Islanda ha ripreso la caccia alle balene nel 2006 e questo è motivo di frizione con l'Unione Europea, viste le trattative in corso della repubblica artica per entrare nell'EU.

Australia e Nuova Zelanda sono gli stati più impegnati nella lotta alla caccia alle balene e l'Australia ha addirittura citato il Giappone in giudizio presso la Corte Internazionale di Giustizia, proprio in merito all'attività baleniera nipponica, che impegna circa 180 persone con l'obiettivo di cacciare 900-1000 balene l'anno.

Sebastiano

Notizie collegate:
La caccia alla balena: passato, presente e futuro
Strage di Balene nelle isole Faroe
Balene: specie protette e specie cacciate

SONDAGGIO: LA CACCIA ALLE BALENE DOVREBBE ESSERE ABOLITA?

Sì No (vedi risultati)

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Il Giappone ferma la caccia alle balene a cause di attacchi degli ambientalisti

2011-02-16T16:00:00.013+01:00

Notturna alla "Casa Rossa"

2009-09-10T17:52:00.004+02:00

Ieri sera ho fatto un'immersione notturna con il mio solito gruppo in un punto del lago dove non mi ero mai immerso prima. La "Casa Rossa" è una casa di colore rosso che si incontra dopo Torri del Benaco sul lago di Garda. La casa è sul lato del lago ed è la prima dopo il paese a trovarsi direttamente sull'acqua.

Subito dopo la casa c'è un parcheggio e io arrivo, come al solito, in ritardo e molti sono già mezzi vestiti.

Velocemente preparo l'attrezzatura e ci dirigiamo verso la spiaggetta, per poi entrare in acqua, direttamente da riva.

Sono le dieci passate e un gruppo è già in acqua perché deve andare via prima.

L'immersione programmata è molto semplice, si trattava di una dolce discesa fino ai 20-25 metri, sabbia e alghe, popolata da pesci per lo più addormentati.

Immediatamente mi rendo conto della particolarità del luogo.

Ciuffi di alghe costellano la discesa di sabbia grigia e numerosi persici dormono beati, mentre enormi alieni vestiti di nero pinneggiano rumorosamente.

Dopo pochi minuti, vicino al tubo che preleva in profondità l'acqua per irrigare le vicine montagne, una bellissima anguilla di oltre un metro riposa sorniona, una diva ripresa dai flash e dai fari di mille torce subacquee.

Stanca di tutto quell'interesse, alla fine se ne va, dondolandosi come solo lei sa fare, e sventolando la coda in segno di saluto.

Ogni tanto qualche piccolo luccio fa capolino da dietro un sasso, e sembra quasi pregarci di non fare baccano, perché lui, in fondo, starebbe anche tentando di procurarsi la cena.

Gamberi di ogni dimensione camminano indisturbati e la sabbia è rigata dalle mille scie di lente lumache girovaghe.

Guardo il computer e siamo a 15 metri di profondità e stiamo percorrendo la discesa in modo longitudinale, mantenendo la quota. Sono passati circa quindici minuti dall'inizio immersione.

Guardo a sinistra e i miei due compagni di immersione (eravamo dispari, e siamo quindi in tre) stanno osservando il fondale e io sono un po' più in basso, sui diciassette metri e sto osservando il nero del lago, alla mia destra.

Mi stacco un attimo da loro, un istante, qualche metro e arrivo a venti metri di profondità. Vedo i miei compagni che con le loro torce, quasi fossero spade di luce, combattono l'oscurità alla ricerca di vita da scoprire.

Io guardo il nero, invitante e freddo compagno di ogni immersione. Spengo la torcia e mi lascio abbracciare, qualche secondo, istanti che durano in eterno.

Inizio la risalita senza riaccendere la torcia, seguo i miei compagni e li raggiungo in pochissimi secondi, riaccendo la torcia e ritorno a seguire il giro turistico programmato.

Ormai siamo a quasi mezz'ora di immersione, gli abitanti del lago continuano a farsi vedere, ma io continuo a lanciare occhiate furtive verso quel nero ricordo, quell'abbraccio oscuro che mi ha fatto sentire, per un attimo, quanto fossi vivo e pieno di energie. Il nero mi manca, ma oggi non si scende, non ci si fa coccolare, solo un saluto, un attimo e via.

Sono passati circa trentacinque minuti e una seconda anguilla, più lunga della prima, si lascia ammirare. Io la seguo un attimo, scendo di qualche metro, e mi ci avvicino con il volto a pochi centimetri. Riesco a mettere a fuoco i particolari della bocca, gli occhi, la forma della testa. Una creatura meravigliosa.

Siamo a quarantacinque minuti, sono a circa 12 metri di profondità e un piccolo luccio si avvicina a me e io, ovviamente, lo illumino con la mia torcia, che nel frattempo si è scaricata così tanto da emettere solamente un filo di luce.

Mi accorgo per caso che il luccio segue il fascio di luce e inizio quindi a puntare la torcia in giro e farmi seguire. Inizio a roteare e lui sempre dietro.

Quanti di voi possono dire di aver danzato con un luccio? Io sì, abbiamo ballato per quasi due minuti. Poi ho nuovamente puntato la torcia su di lui e questo, tranquillamente, si è avvicinato al fascio di luce fino a sbattere il muso sul vetro. Velocemente è fuggito.

Arriviamo vicini al punto di uscita, siamo a 49 minuti di immersione. La mia torcia è praticamente spenta, mi godo un piccolo assaggio di oscurità. Grazie a qualche raggio riflesso riesco ogni tanto a leggere il computer subaqueo. Segna 50 minuti. E quindi riemergo.

La mia cinquantesima immersione non sarà stata a 50 metri, ma è comunque durata 50 minuti. La simmetria è salva.

Finita l'immersione sistemiamo l'attrezzatura e andiamo a mangiare qualcosa, finendo la serata tra amici raccontandoci tutto quello che avevamo visto.

Grazie lago, ancora una volta mi hai sorpreso.

La Cicogna Clotovogna e il frugoletto da sessanta chili.

2009-08-28T20:32:00.005+02:00

La luna è appena balzata fuori dal suo nascondiglio diurno dietro i sassi di Colle Olle, mentre il sole si è tuffato per il consueto bagno notturno nelle acque del Lago Pago. Il Lampioniere Celeste Ignegnere Oreste ha acceso ormai quasi tutte le luci-stelle che la Strega Erbega ha, nei secoli, pazientemente cucito col punto croce sul telo nero riflettente che i terrestri chiamano cielo.
Un venticello leggero suona le note che fanno danzare le foglie di un Ontano lontano mentre le lucciole combattono tra di loro con le loro spade di luce. Il custode del Palazzo Universale abbassa il riscaldamento e la temperatura inizia a scendere; gocce iniziano a formarsi nell'aria, così piccole che una formica non le noterebbe nemmeno se le cadessero sulla testa.
La natura si muove, sinuosa, seguendo la melodia del cantar dei grilli, che suonan loro stessi come fossero archi, ritmata dai giochi di luce stroboscopici delle lucciole combattenti, si corica infine su un letto di zolle d'erba, fango e morbida vegetazione, e si addormenta, lasciando vive e attive le sue sentinelle notturne, dai grigi gufi dagli occhi di luce, ai predatori dei boschi, sinuosi felini dal manto d'argento.
E in quell'attimo un'ombra oscura le luci-stelle, mentre il Lampioniere Celeste Ingegnere Oreste si affretta a riparare i danni, riaccendendo le fiaccole spende dal vorticoso passaggio dell'ombra danzante. L'ombra, vaporosa essenza di notte, si appresta poi a mangiare pezzi di luna, come un batuffolo di cotone che cancella i belletti di una vecchia signora. E si muove, sospinta dagli alti venti, veloci e feroci, fino ad uscire dal palcoscenico.
Un'altra ombra, più piccola, non vaporosa, si muove nell'aria. Non cancella le luci-stelle, non nasconde il telo-cielo, non assapora la dolce luna. Ma vola, rapida e silenziosa, un'ombra nell'ombra più cupa. È la cicogna Clotovogna, la più vecchia del Servizio Postale Neonatale ancora in servizio. Lavora di notte, per non farsi vedere, per portare alle mamme i loro frugoletti appena nati. A tutte le mamme? No, solo a quelle che credono che le cicogne portino i bambini, le altre partoriscono con dolore. Una scelta.
Sì, c'è anche il partito dei cavoli, ma tutti sanno che è una leggenda metropolitana, nata quando Eva, la prima donna, incinta per colpa di Adamo, dopo aver passato nove mesi a lamentarsi per quel bozzolo che si ritrovava sullo stomaco ed esser stata rassicurata dal serpente che non c'era nulla da temere e che la magia della vita stava per avere inizio, si lasciò scuggire un "e che cavolo" alla prima doglia, continuando imperterrita ad urlare "cavolo, cavolo, cavolo, cavolo" ad ogni contrazione, lasciandosi andare in un urlo lacerante nel punto culminante del travaglio formando un boato che incise l'aria facendone scappare le molecole impaurite. "CAVOLO", tuonò nell'Eden. E quindi è nata la diceria biblica che i bambini nascano sotto i cavoli. La cosa divertente è che è stata recentemente scoperta una censura che ha portato ad un'alterazione dell'esclamazione di Eva, che - in realtà - pronunciò a gran voce il nome dell'organo di Adamo che l'aveva così conciata. Ancora oggi, infatti, l'esclamazione "e che cavolo!" può essere sostituita da "e che cacchio!", e nonostante i giovani non si vantino delle proporzioni dei loro cavoli, le persone posso farsi i cavoli o i cacchi loro. A merenda solo cavoli, niente cacchi.
La censura, sempre da condannare, ci ha però salvati da un'imbarazzante leggenda. Immaginate i bambini curiosi, invece di essere intenti a dissotterrare i cavoli dell'orto del nonno per trovare i neonati, nemmeno fossero tartufi - tutti indaffarati a tastare i gioielli dei vari signori, cercando le tracce dei bambini futuri. L'abbiamo scampata bella.
Torniamo alla nostra amata cicogna. Vola, vola, sopportanto con fatica gli acciacchi dell'età e il peso del frugoletto. Frugoletto? In effetti, la cosa è strana. Di solito nel becco della cicogna si trovano i due lembi di un fazzoletto a quadri - perché sia sempre a quadri non lo sa nessuno, è un segreto della fabbrica del Servizio Neonatale - ma questa volta dalla bocca della Cicogna Clotovogna partono i due angoli di una tovaglia medievale di quindici metri per quindici, che ha richiesto almeno dodici campi di cotone per essere lavorata, e i cui quadri fanno impallidire l'intera scacchiera di Marostica.
Il lungo collo della cicogna è piegato in avanti e si nota chiaramente lo sforzo che il povero animale deve sopportare per trasportare tale fardello. Ma quale sarà il contenuto impacchettato in qualche ettaro di tessuto? L'ultima volta che si è sentito di cicogne trasportare pesanti fardelli, è stato anni or sono, quando una giovine venne arruolata per trasportare un elefantino con le orecchie da Guinness dei primati. Pochi dollari di paga e un'ernia furono il risultato. Chi starà trasportando ora la povera Clotovogna?
Un passerotto solitario e nottambulo svolazza nei dintorni di un tiglio addormentato, mentre nugoli di insetti della notte ronzano e stridono una ninna-nanna per vegetali. D'un tratto il passerotto, un giovane uccello grasso, disoccupato e senza fidanzata , nota la cicogna e inizia a svolazzare come impazito, saltellando di ramo in ramo, facendo piegare le appendici fiorite del tiglio sotto il suo starnazzante peso. La cicogna Clotovogna, che oramai ci vede poco vista l'età, riesce per fortuna ad individuare il passerotto grazie alla tremarella che ha colpito l'intero tiglio, e che ha fatto addirittura cambiare la melodia degli insetti di mezzo semitono.
Inizia quindi la manovra di discesa, verso il suolo, vicino alla base del tronco, e il passerotto iniza a scalare di balzo in balzo il maestoso, e ormai mezzo sveglio, tiglio. Si incontrano vicino alla terza radice, un attimo per entrambi per riprendere fiato e poi avviene la consegna del pacco. Sì, perché il pacco è per il passerotto cicciotto, che tutto contento paga l'anziana cicogna firmando la ricevuta. E apre il fagotto, rivelandone il misterioso - e ingombrante - contenuto.
Si tratta di una femmina di gufo siberiano spelacchiato di circa sessata chilogrammi di peso, tale Vladimira Slobodova, sposa per corrispondenza del catalogo Spose-Up. Il passerotto, imbestialito, svolazza in direzione della Cicogna Clotovogna, lamentando che la sposa non corrisponda a quanto lui aveva ordinato in precedenza, ovvero una bella passera d'argento delle nevi. La cicogna, formale e autoritaria, spiega al giovane passero sovrappeso che lei non è responsabile di tali formalità e che, se vuole lamentarsi, deve farlo con i responsabili della Spose-Up. Non c'è alcun disguido postale o scambio di fagotti.
Al passero imbestialito, ora, non resta altro da fare che rimanere in attesa in eterno al numero verde del Call Center della Spose-Up, perdendosi nei meandri dei menù a scelta multipla, premi questo se, premi quello se, mentre la sua novella sposta Vladimira cucina succulenti manicaretti a base di rape e lombrichi, canticchiando con il suo vocione baritono in una lingua ignota.
La cicogna Clotovogna, nel frattempo, ritorna a casa, pensando con amarezza ai vecchi tempi, quando la fantasia era dell'uomo come della natura, e i bambini da consegnare erano - appunto - bambini, e non uccelli grassi di un catalogo di spose per corrispondenza, sogni di fantasia di solitari passerotti obesi.

Affondiamo il Baldo nel lago di Garda!

2009-08-25T19:27:00.004+02:00

Oggi, su L'Arena di Verona è apparso un articolo interessante, dove ho scoperto che l'assessore regionale allo sport Massimo Giorgetti vorrebbe far affondare il piroscafo Baldo della Navigarda nelle acque del lago.

Il piroscafo è ormai dismesso e secondo la Navigarda non è in condizioni per essere riutilizzato.
Molto vorrebbero che fosse rimesso a nuovo, in quanto è il più vecchio piroscafo di Navigarda, costruito nel 1900 nel cantiere Odero di Sestri Ponente.

La normale destinazione del vecchio piroscafo sarebbe quella di essere smantellato e distrutto.

L'assessore regionale allo sport Massimo Giorgetti ha suggerito di affondarlo nelle acque del lago, dove potrebbe diventare un'attrazione per il turismo subacqueo del lago di Garda.

Da subacqueo non posso che essere d'accordo, la possibilità che il buon vecchio Baldo possa riposare in eterno nel lago ci potrà regalare immersioni incredibili.

Speriamo che riescano in quest'impresa, tutti noi subacquei rimaniamo con il fiato sospeso, per ora Navigarda ha risposto che terrà la proposta in considerazione.

Da parte sua, l'assessore Giorgetti ha risposto che formulerà una proposta più articolata con le informazioni relative ai contributi regionali per la necessaria bonifica e il relativo affondamento.

Rimaniamo in attesa nella speranza di poter andare a trovare il Baldo mentre silenzioso riposa sott'acqua.

Immersione notturna a Torri del Benaco, VR.

2009-08-20T18:59:00.003+02:00

Ieri abbiamo deciso di fare una notturna a Torri del Benaco, sul lato veronese del Lago di Garda. Dopo una settimana al mare, il rietro al lago è sempre traumatico, si passa da visibilità meravigliose a visibilità che si misurano in tre parametri:

A) vedo fino al mio compagno di immersione;
B) intravedo il mio compagno di immersione;
C) sono invisibile, non vedo nemmeno me stesso.

A volte, però, il Lago regala sorprese.

Abbiamo scelto di fare la notturna per due motivi. Uno, non dover aspettare fino al weekend e l'altro perché a Napoli non abbiamo fatto notturne e c'è rimasta la voglia.

Preparata l'attrezzatura alla luce del lampione, andiamo a posizionare la boa e in quel momento ci rendiamo conto che nessuno ha la luce strobo. La mia è rotta e nessuno l'ha portata. Come illuminare la boa?

Mentre finisco l'acqua dalla mia bottiglietta, mi viene in mente una cosa. Prendo la bottiglietta, ormai vuota, la riempio con l'acqua del lago, taglio un po' il tappo per allargarlo, ci butto dentro la luce sub rossa, di quelle con i contatti esterni e che dura 300 ore, chiudo il tappo e lego il tutto alla boa.

Problema risolto.

Scendiamo al solito posto alle 10.24, quando tutti i vari subacquei sono ormai risaliti. I primi metri sono tremendi, visibilità zero, entro il mezzo metro.

Siamo in quattro, guido io perché gli altri non ricordano la strada. Per me è la prima notturna in quel punto, ma di giorno ci sono andato spesso.

Ho seguito la sagola fino ai 18 metri e li il lago ci ha fatto un regalo: la visibilità è splendida. Continuo a seguire la sagola, mantenendo le rocce alla mia destra, e arrivo ai 24 metri, dove c'è il classico presepe. Aspetto col mio buddy sub gli altri due del gruppo e dopo un check generale proseguiamo l'immersione. Ovunque pesce. I persici dormono beati e trattenendo il respiro è possibile sfiorargli la coda senza che questi facciano il minimo movimento.

Subito dopo il presepe una solitaria bottatrice si muove lenta e sinuosa verso il basso e dopo aver avuto conferma che tutti e quattro l'hanno vista, le ho accarezzato la coda. E non è fuggita!

Continuo a scendere, senza sagola, perché questa si ferma al presepe, o va da un'altra parte, non ricordo. Comunque conosco la strada e proseguo dritto finché non arrivo ad un gruppo di rocce, dove svolto a sinistra mantenendo i sassi sulla destra. Quando queste diventano molto piccole le supero, siamo ormai a 33 metri.

Arrivo su un piccolo strapiombo, scendiamo a 37 e arriviamo da Embolo, il primo dei nani di Torri. La visibilità è ottima, tutti e tre gli amici mi rispondono costantemente ruotando le torce, quindi proseguo e vado a trovare il resto della combriccola. Tra i 40 e i 42 trovo il resto, Bibombolo, Subdolo, il nuovo nano che mi dicono chiamarsi Trombolo e una new entry: Biancaneve.

Evito di ridere nell'erogatore perché magari i miei compagni potrebbero pensare ad un caso di narcosi da azoto.

Punto la torcia su Biancaneve e mi assicuro che tutti l'abbiano notata.

La temperatura dell'acqua di giorno è di circa 8 gradi, in questo momento i computer segnano 5°C.

Io sto benissimo, ho i pantaloni della tuta e una maglia in cotone a maniche lunghe sotto la stagna e non sento per nulla il freddo.

Uno del gruppo però mi segnala che ha freddo, e non l'unico di noi sceso con la muta umida, ma uno di quelli che, come me, usava la stagna. Immagino che magari gli sia entrata acqua e quindi ci giriamo e torniamo indietro.

In quel momento sono a 44 e mezzo, non resisto, guardo un attimo, scendo a 45, e poi ci giriamo con il gruppo e iniziamo la risalita.

Siamo rimasti circa 2 minuti oltre i 42 metri, rapidamente ci portiamo verso i 35 in modo che la temperatura aumenti, anche se di poco. Il termoclino è lontano, intorno ai 17 metri.

Risalendo commetto un errore attraversando la scarpata che dovrebbe riportarmi al presepe e lo manco completamente. Continuo a seguire il fondale, salendo man mano fino ai 22 metri, dove mi fermo per circa un minuto. Qui la visibilità è ancora ottima e questa deviazione ci regala un'anguilla bianca di mezzo metro. Nessuno di noi aveva mai visto un'anguilla bianca, quindi siamo molto contenti.

L'amico che ha freddo, ha pure i crampi, quindi lo tengo d'occhio con la torcia mentre si stiracchia sott'acqua. Ha ancora freddo, quindi decido di non girovagare a quelle quote, ma di salire e terminare l'immersione in anticipo.

Saliamo lentamente fino ai 10 metri, qui inizia un prato di alghe dove i persici dormono beati. La visibilità è ancora ottima, siamo a circa dieci metri a sinistra del classico punto di uscita; qui non si immerge mai nessuno e siamo i primi della serata che ci pinneggiano sopra.

A cinque metri, con una visibilità ridotta, ma comunque eccellente per quelle profondità e su fondo fangoso, vediamo un bellissimo gambero di 10 centimetri e durante la sosta ci divertiamo a guardarlo, mentre immobile sembra osservarci a sua volta.

Nessuno di noi è andato fuori curva, facciamo i tre minuti canonici e poi terminiamo l'immersione, dopo soli 24 minuti.

Usciamo e ci dirigiamo verso la boa, la recuperiamo e poi, felici per un'immersione corta, ma veramente piacevole, iniziamo a raccontarci tutto quello che abbiamo visto, mentre l'amico con i crampi lamenta il freddo e mormora frasi tipo "dovevo mangiare delle banane" e "ho messo male il colletto".

Serata finita con cena a mezzanotte a base di piadina e chiacchierata fino alle due. Sono arrivato a casa alle tre. Stanco, ma felice.

Dopo le emozioni che Baia mi ha regalato, non avrei mai potuto sperare in un'immersione al lago più bella di questa.

Grazie Lago di Garda, grazie per il regalo.

Il Signore degli Anelli in Blu Ray: Amazon prende prenotazioni

2009-04-17T11:03:00.002+02:00

Amazon.com, negozio online americano, prende prenotazioni per la trilogia di The Lord of the Rings in blu ray. Si tratta della versione cinematografica, non di quella estesa, e il costo è di 69,99$+spese.

Per ora non ci sono date di uscita precise, ma sicuramente il cofanetto sarà disponibile nel 2009.

Il Signore degli Anelli (La Compagnia dell'Anello, Le Due Torri e Il Ritorno del Re) è una delle opere più attese in alta definizione e sicuramente la New Line sfrutterà la popolarità per fare edizioni multiple, come ha già fatto in DVD.

Infatti l'edizione in uscita è la versione vista al cinema. Poi uscirà la versione estesa. E io le comprerò tutte, perché The Lord of the Rings è il titolo che attendo di più. Ho già le versioni singole, le estese e pure le gift set in DVD. Non posso perdermi i blu ray!

Prima che qualcuno si affretti a prenotare da Amazon, ricordo un paio di cose.

- I blu ray americani non hanno audio italiano (e per quanto mi riguarda, non è un problema, anzi!)

- Non tutti i blu ray americani sono multi region (e temo che The Lord of the Rings, così appetibile, e non ancora annunciato in Europa, sarà assolutamente regione A e basta)

Se invece avete un lettore blu ray multiregione e ve ne infischiate del doppiaggio italiano, prenotate, prenotate, prenotate!

The Lord of the Rings.

A Izhevsk, in Russia, hanno trovato un abete dentro un polmone...

2009-04-16T19:01:00.003+02:00

L'incredibile scoperta è stata apperentemente fatta in sala operatoria quando hanno aperto Artyom Sidorkin, un paziente di 28 anni, per rimuovere quello che pensavano fosse un tumore molto pericoloso.

Il signor Sidorkin lamentava forti dolori al petto e tossiva sangue.
I dottori erano sicuro avesse un cancro.

"Eravamo sicuri al 100%", ha detto Vladimir Kamashev, un chirurgo a Izhevsk negli Urali. "Abbiamo fatto la radiografia e trovato quello che aveva esattamente la forma di un tumore"

"Ne ho viste centinaia prima di questa, quindi abbiamo deciso di operare".

Prima di rimuovere parte del polmone del paziente, il chirurgo ha dato un'occhiata al tessuto.

"Pensavo di avere le allucinazioni", ha detto il dottor Kamashev. "Ho chiesto al mio assistente di dare un'occhiata". "Vieni a vedere questo, c'è un abete!". "Ho chiuso e aperto gli occhi per tre volte perché pensavo di avere le visioni".

Lo staff medico ha detto che il paziente deve aver inalato un seme, che successivamente è germogliato in un piccolo abete dentro il suo polmone.

Il germoglio, che ormai toccava i capillari e causava forti dolori, è stato rimosso.

"Era molto doloroso, ma in tutta onestà non ho percepito nessun oggetto estraneo dentro di me", ha detto il signor Sidorkin. "Sono troppo felice che non si tratti di cancro".

Non c'è stata nessuna verifica indipendente delle dichiarazioni del chirurgo.

Qui il video dell'operazione:

Incredibile, no?

Primo volo per la Terrafugia Transition!

2009-03-20T01:15:00.001+01:00

La Terrafugia Transition è un'automobile a due posti convertibile in aeromobile.

Il cinque marzo 2009, presso l'aeroporto internazionale di Plattsburgh, N.Y., USA, la prima macchina volante di Terrafugia ha preso il volo.
Il volo è stato breve, solo trenta secondi, e il veivolo ha solamente sorvolato la pista.

Il test ha comunque provato che il veivolo, il cui nome ufficiale è "Transition Roadable Aircraft Proof of Concept", è pronto per test successivi.

Il punto chiave del primo volo è il primo atterraggio, e questo è stato perfetto.

L'automezzo assomiglia ad un Maggiolone della Volkswagen con le ali e un propulsore sul posteriore. Ha un'autonomia di volo di circa 725 Kilometri e raggiunge una velocità di circa 185Kmh. Su strada va a benzina e raggiunge i 105Kmh, con un consumo di circa 12Km per litro.

Il tempo necessario per trasformarsi da aereo ad auto è di circa 30 secondi, inferiore al tempo necessario a molte sportive per aprire o chiudere completamente la capote elettrica!

L'auto è alta circa 2 metri, lunga 5,7 metri e larga 2.

La commercializzazione, per ora prevista solo negli USA, non è ancora iniziata. Questo test ha segnato un notevole passo avanti.

La categoria del veivolo è aeromobile sprotivo leggero e negli USA sarà necessaria una licenza di pilota sprotiva per poterla usare.

Terrafugia ha già iniziato a prendere ordini e chi volesse prenotarla deve prepararsi a sborsare un acconto di 10.000 dollari. Il prezzo sarà intorno ai 194.000 dollari, ovvero circa 142.000 euro.

Qui potete ascoltare un'intervista a Phil Meteer, ex colonnello dell'Aeronautica Militare Americana, che ha pilotato il veivolo durante il test.

Sul sito dell'azienda costruttrice ci sono le immagini della giornata di test.
Qui potete vedere il primo volo dalla camera A., mentre qui lo stesso volo dalla camera B.
Qui potete ammirare bene il veivolo, mentre qui c'è un'animazione che ne mostra i particolari.

Riusciremo mai a vederne qualcuna circolare? Per ora io vedo ancora tante Punto e tante Panda in giro.

Nancy Rommelmann si spoglia per beneficenza.

2009-03-19T16:06:00.000+01:00

Nancy Rommelmann è una giornalista, scrittrice e blogger americana ed è una dei 37 blogger che stanno partecipando alla campagna indetta dalla Oregon Food Bank chiamata "Blog For Food".

Sveglia, alle cinque di mattina, pensava a quale avrebbe potuto essere il suo contributo.

E l'ha trovato.

TOGLIERSI I VESTITI.

Sì, Nancy Rommelmann si è spogliata per questa causa. Il motto è "Will Strip for food" ed è partito il 2 Febbraio.

Ogni 50 dollari donati, Nancy leva un capo.

Ad oggi sono arrivati a circa 450 dollari donati e a sei episodi di questo originale striptease a fin di bene.

Le foto vengono postate nel suo blog, come potete vedere qui .

Ecco qui i post originali del suo blog:

Annuncio del 2 Febbraio, la nascita di Will Strip for Food.

Parte 1 - 13 febbraio 2009, e la maglia se ne va.

Parte 2 - 13 febbraio 2009, Gonna? Ma quale gonna!

Parte 4 - 14 febbraio 2009, Una calza vola via...

No, non ho dimenticato la parte 3. La parte 3 è rimasta online attimi, poi è stata tolta. Perché? Forse era troppo, per Nancy. E va bene così. :)

Parte 5 - 15 febbraio 2009, ... e un'altra calza scappa.

Parte 6 - 17 febbraio 2009. l'ultimo strip?

Non c'è stato alcun seguito a quella parte, nessun parte 7, e ormai è passato un mese.

Chissà...

Se qualcuno volesse donare, qui potete trovare il link dell'associazione. Nella sezione tributo bisogna scrivere "Blog for Food".

Beh, che dire. I miei complimenti a Nancy Rommelmann.